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TITO E GLI ALIENI
– Martedì 13/11 | Ore 21:15

Genere commedia, fantascienza. Diretto da Paola Randi, con Valerio Mastandrea e Clémence Poésy. Durata 92 minuti. Distribuito da Lucky Red.

Tito e gli alieni, il film diretto da Paola Randi, è una commedia che parla di un Professore (Valerio Mastandrea), per l’esattezza uno scienziato napoletano, che vive isolato dal mondo in una casa mobile nel deserto del Nevada, accanto all’Area 51. Mentre dovrebbe lavorare a un progetto segreto per il governo degli Stati Uniti, non fa altro che passare le sue giornate sul divano ad ascoltare il suono dello spazio.
Una vita piatta e monotona, segnata dalla morte della moglie, la cui voce spera ancora di captare. Il suo unico contatto con il mondo esterno, nonché unica fonte di brio all’interno della sua vita, è Stella (Clemence Poesy), una giovane wedding planner che organizza matrimoni per i turisti a caccia di alieni.
La sua esistenza solitaria viene sconvolta dall’arrivo dei due nipoti da Napoli: Anita (Chiara Stella Riccio) di 16 anni e Tito (Luca Esposito) di 7, che il fratello Fidel (Gianfelice Imparato) gli ha affidato prima di morire. Sconvolto dalla notizia della scomparsa di Fidel, il Professore è pronto ad accoglierli e si attrezza, letteralmente, come meglio riesce. Il problema è che i due ragazzini erano convinti di trasferirsi a Las Vegas, e invece si ritrovano in mezzo al nulla, in balia di uno zio sconclusionato e depresso, in un luogo misterioso in cui si dice vivano gli alieni.

Commissione Nazionale Valutazione Film CEI

Da quando ha perso la moglie, il personaggio chiamato “il professore” vive isolato dal resto del mondo nel deserto del Nevada accanto all’Area 51. Inaspettata lo sorprende la comunicazione che molto presto arriveranno a vivere con lui Anita, 16 anni, e Tito 7 anni, figli del suo fratello Fidel che sta morendo…

Valutazione Pastorale

Da questo prologo, come si capisce pieno di inciampi e difficoltà, prende il via un racconto che batte i terreni poco frequentati della fantascienza e della fiaba. Che il fantasy sia un genere abbastanza trascurato dal cinema italiano è affermazione facile e forse scontata. Che, al di là di facili riferimenti ad alieni e mostri spaziali, esista la possibilità di affrontare l’argomento con angolature e prospettive nuove lo dimostra proprio questo film che mette insieme realtà e sogno, finzione e problemi quotidiani, utopia e speranza con un equilibrio narrativo mirabile e sorprendente. Merito va alla sceneggiatura di Paola Randi, che ha dichiarato di aver sopportato perdite importanti in seguito alle quali si è posta la domanda: come facciamo ad affrontare la paura della morte e del dolore? Un interrogativo forte che Randi, anche regista ha affidato ad una storia fatta di luoghi veri e insieme fantastici, di sentimenti autentici e altri immaginati in un alternarsi di scossoni emotivi in grado di cambiare il carattere delle persone. Così tra il professore, i due nipotini ‘trovati’, la inafferrabile Stella e il desolato paesaggio circostante scatta una coraggiosa gara fatta di rinunce, di scommesse, di provocazioni: in primo luogo forse la necessità da parte del ‘Professore’ di ‘inventarsi’ il ruolo di padre per due ragazzini/adolescenti (16 anni lei, 7 anni lui), un ruolo costruito giorno per giorno di fronte a necessità e bisogni imprevedibili. Nelle pieghe del racconto, nei suoi suggestivi scarti narrativi si fa strada la sensazione che la vicenda, per quanto piccola, abitata da gente sospesa, sperduta in un luoghi immensi, finisca con il crescere fino a sfiorare la bellezza del poema, la rabbia e la capacità di toccare i temi di un’umanità pronta a riscattarsi e a non cedere al peggio dell’esistente. Si tratta di un film anomalo, attraversato da una poesia nascosta e malinconica, ben interpretato e ben realizzato. Cosicchè sembra perfino ingeneroso definirlo un film ‘piccolo’. L’idea di fuggire, di abitare altri mondi non è forse da sempre una delle molle che ispirano letteratura e cinema? Dal punto di vista pastorale, il film è da valutare come consigliabile, poetico e adatto per dibattiti. Il film è da utilizzare in programmazione ordinaria e in molte successive occasioni come prodotto italiano originale di bella e intensa fattura.

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LA STANZA DELLE MERAVIGLIE
– Martedì 06/11 | Ore 21:15

Genere drammatico. Diretto da Todd Haynes, con Oakes Fegley e Millicent Simmonds. Durata 117 minuti. Distribuito da 01 Distribution.

Tratto dall’omonimo romanzo illustrato di Brian Selznick, La stanza delle meraviglie, il film diretto da Todd Haynes, racconta la storia di Ben (Oakes Fegley) e Rose (Millicent Simmonds), due bambini sordi nati e vissuti in epoche diverse, più precisamente a distanza di cinquant’anni.
Cosa li accomuna? Il desiderio di una vita diversa, migliore rispetto alla propria.
Rose abita nel New Jersey del 1927, tenuta isolata dai coetanei e dal resto del mondo da un padre eccessivamente protettivo, e sogna di incontrare una celebre attrice del cinema muto di cui raccoglie foto e ritagli di giornale in un album. Ben abita nel Minnesota del 1977 e sogna di incontrare il padre che non ha mai conosciuto. Le loro storie scorrono parallele, legate da una misteriosa connessione, finché una serie di coincidenze li farà incontrare nella magica cornice di New York, città che per entrambi rappresenta il simbolo di una rinascita, di una nuova vita.
Un giorno, infatti, Rose fugge di casa per andare a Manhattan, dove spera di incontrare il suo idolo: l’attrice Lillian Mayhew (Julianne Moore). Esattamente cinquant’anni dopo Ben fa lo stesso: dopo aver scoperto un indizio sulla propria famiglia lasciato dalla defunta madre Elaine (Michelle Williams), decide di recarsi a New York per scoprire tutta la verità sulle sue origini e trovare finalmente il padre. Si innesca così una doppia ricerca parallela e simmetrica, che porta i due ragazzini a vivere un’avventura favolosa e stupefacente, colma di speranze ma anche di pericoli e minacce. Nonostante l’impossibilità di comunicare e le grosse complicazioni che incontrano nel compiere anche le cose più semplici, confusi dal caos della Grande Mela, Ben e Rose sono determinati ad arrivare fino in fondo, e a trovare finalmente il loro posto nel mondo.

Commissione Nazionale Valutazione Film CEI

In epoche diverse, il 1922 e il 1977, Ben e Rose, due bambini, si muovono per raggiungere New York, dove nutrono la speranza di ritrovare lui il padre, lei un’attrice di cui raccoglie foto da inserire nel proprio album…

Valutazione Pastorale

Todd Haynes, nato a Los Angeles nel 1961, è un regista che in quasi trenta anni di carriera (esordio nel 1991 con “Poison”) ha frequentato un cinema tendenzialmente nervoso e provocatorio, sempre muovendosi sul filo di una rilettura spinosa e sofferta della realtà, filtrata non di rado da uno sguardo malinconico e incline al mélo. Che ora abbia cambiato argomento, sovvertendo ruoli e approcci e rovesciando la Storia fino a sovvertirne i presupposti può sorprendere fino a un certo punto. Il fatto è che, partendo dalla graphic novel omonima di Brian Selzick, Haynes si trova tra le mani una materia non facile e a suo modo rischiosa. Si trattava infatti di far incontrare, e di dare un senso compiuto, alle vicende di due bambini, collocate lontane per tempo e spazio. Haynes affronta il copione con piglio robusto e deciso, operando da subito la scelta che aiuta a tirare una linea di demarcazione: Rose si muove negli anni Venti, Ben nel 1977. Entrambi a New York, entrambi alla ricerca di un padre e di una madre finora solo sognati. Rose e Ben sono muti, Rose vive dentro un cinema senza parole, Ben fa i conti con un società che vive come se ci fosse sempre “Taxi driver”. I due racconti procedono separati e quasi non si avvertono i momenti che segnano qualche punto di avvicinamento. La regia corre lungo una linea dal tratto forte ma dal segno esile. I bambini vivono con passione le scoperte del loro mondo ‘negato’ ai rumori che però compensano con le foto e con la scrittura. Ben fa la scoperta dell’amicizia dopo aver rischiato di perderla. Il racconto prosegue, incalzato da un precipitare di dolori ed emozioni infantili. Lunghi momenti di silenzio intenso e rivelatore si alternano con musiche anni ’70. La colonna sonora di Carter Burwell infonde atmosfere che evocano malinconia e rimpianto. Il finale, che non diciamo, vola sulle suggestioni del mai sopito ricordo di una vita che poteva essere e non è stata. Rimane il dubbio, se a prevalere sia la sostanza del testo (la graphic novel di Selznick già autore di quel “Hugo Cabret” alla base della trasposizione di Martin Scorsese) o la messa in scena di Haynes, capace di restituire la magia di una favola dai contorni cangianti, intimiditi eppure spettacolari. L’autore comunque conferma un talento puro e cristallino, la capacità di toccare le corde dell’infanzia, scandendone i passaggi più delicati, e dimostrando di essere in grado di costruire un cinema dolente e comprensivo, fatto di forte narrazione favolistica e insieme di amara realtà. Tutti motivi che inducono, dal punto di vista pastorale, a valutare il film come consigliabile e soprattutto poetico. Il film è da utilizzare in programmazione ordinaria e in molte successive occasioni, come prodotto per l’infanzia, per i bambini, per la famiglia, con tutto il contorno di forti emozioni e di profonda bellezza che le immagini rimandano. Importante l’attenzione alla ‘sordità’ che accomuna i due bambini. Il modo sofferto e insieme positivo con cui l’argomento viene trattato può servire per avviare riflessioni e discussioni sul rapporto cinema/disabilità, nella dimensione dell’adolescenza e della maggiore età.

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L’incredibile Viaggio del Fachiro
– Martedì 30/10 | Ore 21:15

Genere drammatico. Diretto da Ken Scott, con Bérénice Bejo e Dhanush. Durata 92 minuti. Distribuito da Notorious Pictures.

Dopo la morte della madre, l’indiano Aja parte per Parigi sulle tracce del padre mai conosciuto prima, un prestigiatore parigino recatosi in India ad imparare l’arte dei fachiri. Giunto a destinazione, si rifugia in uno store Ikea affascinato da questo strano mondo così distante dalla sua India. Da qui, inizieranno una serie di disavventure che lo porteranno a girare l’Europa e a trovare l’amore della sua vita. Questa è la storia di come un semplice viaggio può diventare straordinario.

Commissione Nazionale Valutazione Film – CEI

Diventato grande, il giovane Aja parte dalla natia India alla volta di Parigi, dove spera di avere notizie del padre, mai conosciuto. Lo aspettano però molte disavventure…

Valutazione Pastorale

All’inizio sembra il racconto di un viaggio incerto e pieno di promesse. Poi si risolve tutto nel flashback su un giovane indiano che racconta ad alcuni ragazzi chiusi in carcere le vicende in seguito alle quali si è trovato a passare attraverso mezza Europa, in Africa (e in parte, inopinatamente anche a Roma) e finalmente arrivare a Parigi. Tutto avviato dalla voglia di trovare il padre mai conosciuto. Il racconto, che comincia con molte propositi e buone intenzioni di spiritosi equivoci, nell’andare avanti, proprio mentre si apre a belle ipotesi di sfiziose variazioni, alo stesso tempo ristagna all’interno di poche e sempre meno divertenti variazioni. Certo, il ritmo resta simpatico, i personaggi risultano effervescenti. Ma i temi ‘seri’, quelli dell’incontro tra culture, della nostalgia del paese natale, della solidarietà con le popolazioni in fuga, restano inesorabilmente di sfondo, mai veramente affrontato con piglio e convinzione. Resta una commedia garbata e piacevole, facile e scorrevole (il momento migliore è nel ballo tra il protagonista e Nelly/Berenice Bejo), che è da valutare come consigliabile e nell’insieme brillante. Il film è una storia di buon livello sulla contemporaneità e sulla difficile gestione dell’incontro tra culture.

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HOTEL GAGARIN
– Martedì 23/10 | Ore 21:15

HOTEL GAGARIN

Genere commedia. Diretto da Simone Spada, con Claudio Amendola e Luca Argentero. Durata 93 minuti. Distribuito da Altre Storie.

Al suo debutto alla regia di un lungometraggio, in Hotel Gagarin, Simone Spada dirige Giuseppe BattistonClaudio AmendolaLuca ArgenteroBarbora Bobulova, Silvia D’Amico, Philippe Leroy e Caterina Shulha.
I protagonisti della sua storia sono cinque italiani squattrinati che, in cerca di successo, vengono convinti da un sedicente produttore a girare un film in Armenia. Purtroppo i loro sogni di gloria vengono infranti appena raggiungono il freddo e isolato Hotel Gagarin, quando scoppia una guerra e il produttore sparisce con tutti i soldi. Una situazione spiacevole e grottesca come questa si rivela, però, un’occasione di ritrovare la spensieratezza e la gioia perdute. Scegliendo di usare il cinema come motivo scatenante dell’intreccio narrativo e un gruppo di sventurati come eroi, Spada ricalca la commedia all’italiana di una volta con l’intento di far sorridere ed emozionare gli spettatori, racchiudendo il senso profondo dell’intero film e della vita stessa nella frase di Lev Tolstoj: “Se vuoi essere felice, comincia”.

Un omaggio al cinema e alla sua forza espressiva

Se i personaggi principali di un film si chiamano rispettivamente Paradiso, Speranza e Beato, qualche domanda ad un cattolico sorge spontanea. Dietro alle apparenze di una commedia spensierata, canzonatoria e con qualche parolaccia di troppo, Hotel Gagarin (Italia, 2018) rivela una profondità inaspettata e ci regala un messaggio ricco di poesia e di umanità.

Franco Paradiso è un faccendiere senza scrupoli e con potenti appoggi politici che, per mettere le mani su di un importante finanziamento europeo, si improvvisa produttore cinematografico. Il copione del film sarà l’opera prima del professor Speranza (interpretato dal bravissimo Giuseppe Battiston), docente di storia in una scuola superiore di Roma, uomo estremamente colto, idealista e certamente ingenuo. Totalmente ignaro di essere vittima di una truffa, il prof. Speranza accetta di partire per l’Armenia con una sgangherata troupe raccolta alla bell’e meglio per iniziare la produzione del suo film. Mentre Paradiso sparisce subito con i soldi, i cinque italiani sono costretti ad un forzato soggiorno nello sperduto Hotel Gagarin dove, però, la loro avventura e le loro stesse vite prendono ben presto una direzione del tutto inaspettata.

Nel cast di Hotel Gagarin troviamo, oltre a Giuseppe Battiston, anche Claudio Amendola, Luca Argentero, Barbora Bobulova, Silvia d’Amico e, nei panni di un vecchio misterioso, Philippe Leroy. I cinque attori italiani interpretano, con le loro storie problematiche e interrotte, altrettanti modi diversi di concepire la vita e di cercare la felicità. C’è chi la cerca nello sballo, chi nel sesso o nel potere, chi nell’amore e chi, deluso, ha smesso di cercarla. A ben guardare la domanda di fondo di tutto il film riguarda proprio la felicità e la sua possibilità di realizzarsi nella vita di ciascuno di noi. “Vuoi essere felice, allora inizia”, chiosa ad un certo punto Speranza, citando in modo estremamente appropriato Lev Tolstoj e dando così una svolta al racconto.

Oltre agli attori già ricordati, Hotel Gagarin ha indubbiamente un altro grande protagonista che è il cinema stesso, la settima musa, quella fabbrica capace di trasformare in realtà i sogni degli esseri umani. Il film che il prof. Speranza voleva inizialmente realizzare aveva un taglio quasi documentaristico. Ciò che alla fine si compie è un sogno fantastico. Sembrerebbe che lo stesso Simone Spada (regista del film al suo primo lungometraggio) viva con questo film il suo personalissimo passaggio dai Lumiere a Melies, dal cinema che descrive a quello che permette di sognare. Hotel Gagarin diventa dunque alla fine un omaggio al cinema e alla sua forza espressiva.

E se il Paradiso sembra per ora sfuggirci, la Speranza resta sempre l’ultima a morire. Beato chi non se la lascia rubare.

 

 

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La Melodiè – Suona Sogna Vola
– Martedì 16/10 | Ore 21:15

La Melodiè – Suona Sogna Vola

Genere drammatic. Diretto da Rachid Hami, con Kad Merad e Samir Guesmi. Durata 102 minuti. Distribuito da Officine Ubu.

– 74^ MOSTRA INTERNAZIONALE D’ARTE CINEMATOGRAFICA DI VENEZIA 2017 FUORI CONCORSO PREMIO SFERA 1932. –

La mélodie, il film diretto da Rachid Hami, vede protagonista Simon (Kad Merad), un famoso violinista quasi cinquantenne. Simon è un uomo ormai disilluso dalla vita e sta attraversando un periodo difficile. Seppur distinto, si ritrova privo di ingaggi e non può fare altro che accettare l’offerta di lavoro propostagli da Farid (Samir Guesm), nonostante si tratti di un impiego piuttosto lontano dalle proprie ambizioni: insegnare nella sua classe-orchestra presso una scuola media inferiore alle porte di Parigi, frequentata da ragazzi che vivono in condizioni socio-economiche disagiate.
I metodi d’insegnamento molto rigidi di Simon gli creano subito grossi problemi a interagire con gli studenti, che rispondono con un atteggiamento provocatorio e arrogante. Tra loro spicca Arnold, un timido ragazzo di origine africana che dimostra una forte predisposizione per il violino, affascinato dalla sua gestualità e dai suoi suoni. Grazie al talento di Arnold e all’incoraggiante energia del resto della classe, Simon riscopre a poco a poco le gioie della musica. Riuscirà a ritrovare l’energia necessaria per ottenere la fiducia degli allievi e mantenere la promessa di portare la classe a esibirsi al concerto finale alla Filarmonica di Parigi?

 

Scheda Film – Sale della Comunità

La mélodie di Rachid Hami è una favola edificante, e come tutte le favole ha una struttura fissa, che converge, tra ascese e cadute, verso l’immancabile lieto fine. Eppure la prevedibilità della favola non ne annulla necessariamente il valore e, in questo caso, basta appena stare al gioco, scegliere la sospensione di incredulità, per godere di un buon film.

Il violinista Simon, dopo un passato più glorioso, finisce a insegnare in una classe della periferia di Parigi. Si scontra con ragazzini particolarmente turbolenti, con realtà marginali che non aveva mai conosciuto e che stenta a comprendere. Ma col tempo impara ad apprezzare la vitalità dei suoi studenti e trova motivazioni per investire tutte le proprie energie in quel lavoro e per ritrovare se stesso, una figlia trascurata, la madre, la sua vera vocazione. Tra i ragazzi spicca Arnold, ragazzo di colore senza padre, che fin da subito si innamora del violino che gli permetterà una sorta di riscatto sociale.

La storia sa ovviamente di già visto, ma in fondo i personaggi si fanno apprezzare, e l’ambientazione in una Parigi multiculturale offre utili spunti di riflessione in anni come quelli che stiamo vivendo. Anche la rappresentazione della scuola, dei rapporti tra insegnanti e studenti, del ruolo dei genitori, è efficace e descrive bene il ruolo sociale oltre che culturale dell’istruzione. Infine, il giovanissimo attore che interpreta Arnold riesce a rendere vitale un personaggio altrimenti incatenato in un cliché.

Simon è un musicista rimasto senza lavoro che accetta di tenere un corso di violino in una scuola alla periferia di Parigi. Inizialmente il rapporto con i bambini è complicato perché nel gruppo ci sono alcuni allievi problematici. Tra loro però c’è anche il timido Arnold, affascinato dal violino e molto talentuoso. Grazie a lui e all’energia della sua classe, Simon riscopre a poco a poco le gioie della musica e decide di accompagnare gli allievi fino alla tappa finale alla Filarmonica di Parigi.

Presentato fuori concorso a Venezia 2017, La melodie è il film d’esordio di Rachid Hami, autore d’origini algerine giunto all’esordio nel lungometraggio dopo aver collaborato come attore per Abdellatif Kechiche (La schivata, 2003) e Arnaud Desplechin (I re e la regina, 2004) e aver in seguito realizzato due mediometraggi da regista. Al di là dei debiti più o meno evidenti con il cinema dei suoi maestri (più Kechice che Desplechin comunque) e alcuni spunti autobiografici (il rapporto con la musica, ad esempio), La melodie sembra tuttavia contaminare le vibrazioni de Il concerto (2009) di Radu Mihaileanu con quelle de La classe(2008) di Laurent Cantet. Due film che il regista franco-algerino sembra tener presente sia nel percorso narrativo, sia nell’approccio della regia.

Se dunque l’originalità narrativa non è forse la migliore qualità de La melodie, va tuttavia sottolineato come esso sia sostenuto da un’ottima qualità performativa. Aspetto che rivela come Hami si trovi perfettamente a proprio agio nella direzione degli attori e nella gestione dell’improvvisazione. Ma anche nella capacità di amalgamare il casting, composto da attori navigati e bambini alla prima esperienza davanti alla camera, e i differenti registri espressivi (quello in sottrazione di Kad Merad con quelli gestuali di alcuni giovani interpreti ad esempio). Tanto che il percorso narrativo ed esistenziale dei personaggi trova il proprio naturale sbocco nell’emozionante finale, che serve ad Hami a ricordarci, ancora una volta, come la Musica (e in generale l’Arte) sia ancora la strada migliore per sviluppare caratteri, formare gruppi, costruire identità.

 

Commissione Nazionale Valutazione Film – CEI

Famoso musicista alle prese con un difficile periodo professionale, Simon accetta un incarico in una scuola alle porte di Parigi per dare lezioni di violino…

Valutazione Pastorale

La scuola alla periferia di Parigi nella quale arriva Simon è, nemmeno a dirlo, disordinata e avvolta in un profondo caos. I ragazzi sono poco motivati, distratti, dispersivi. A cominciare da Arnold, studente che sembra affascinato dal violino e tuttavia dovrà superare diffidenze e timidezze per mettere in mostra quella che diventerà la sua ‘passione’. Su questo traliccio di partenza, il copione conduce tutta la narrazione che segue. Incomprensioni, anche forti, tra il prof e gli alunni, difficoltà di comunicazione tra francesi e stranieri, momenti di delusione alternati ad altri di entusiasmo e soddisfazione. Fino al momento conclusivo che vedrà la classe partecipare compatta al concerto di fine anno, con gioia e entusiasmo generali. Questo di Hami è certo un film di altro valore educativo e didattico. Fa capire che niente è perduto se ci si mette con serietà a lavorare co spirito costruttivo e per la comune causa della crescita sociale e culturale. Copione tanto più importante perché realizzato in un contesto di forte e aperto incontro tra lingue e culture, in una Parigi più che mai crocevia di snodi emblematici di diverse provenienze.

Dal punto di vista pastorale, il film è da valutare come consigliabile, problematico e adatto per dibattiti. Il film è da utilizzare in occasioni come opportunità di affrontare in modo deciso il mondo della scuola, come base di conoscenza e di convivenza tra i popoli.